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스티븐 킹의 소설을 원작으로 하는 영화에 순위를 매기는 건 큰 의미가 없다. 편수가 워낙 많을 뿐 아니라 소설의 완성도와 영화에 대한 평가는 거의 무관하기 때문이다. 꽤 인상적인 걸작에 못지않게 쏟아져나온 졸작도 있다. 대략 240편에 가까운 영화와 드라마 중 소설 못지않은 존재감으로 기억되는 8편의 작품을 소개한다. 팬이 아니라도 이 정도라면 보고 후회하지 않을 것이다.
<캐리> 감독 브라이언 드 팔마 / 1976년
사실상 스티븐 킹의 상업 데뷔작이라 할 만한 소설. 오프닝부터 샤워 신을 배치하는 등 에로틱한 분위기 속에 긴장감을 이어가지만 본질은 호러영화다. 광신도 어머니 밑에서 억압된 생활을 하던 캐리(시시 스페이섹)는 학교에서도 괴롭힘을 당한다. 졸업파티 때 다른 학생들의 계략으로 파티 여왕으로 뽑혔다가 돼지의 피를 뒤집어쓴 후 초능력이 폭주해 자연재해와 같은 참극을 벌인다. 영화 최대의 장점이 캐리 역에 시시 스페이섹이 캐스팅된 것이라 해도 좋을 만큼 스페이
스티븐 킹 소설 원작 영화 연대기
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스티븐 킹을 약올리는 가장 손쉬운 방법은 스탠리 큐브릭의 <샤이닝>(1980)이 지금까지 만들어진 스티븐 킹 영화 중 최고 걸작이라고 우기는 것이다. 스티븐 킹은 지난 몇 십년 동안 큐브릭의 <샤이닝>이 얼마나 형편없는 영화인지 온갖 통로를 통해 꾸준히 설명해왔다. 심지어 그는 큐브릭이 저지른 ‘실수’를 만회하기 위해 미니시리즈 리메이크 버전 <샤이닝>의 제작과 각색에 직접 참여하기도 했다. 결과는? 미니시리즈 버전은 이제 아무도 기억하지 못하고 큐브릭의 영화는 여전히 걸작 대접을 받는다.
그렇다고 해서 스티븐 킹의 기가 꺾였느냐? 당연히 아니다. 난 종종 최근에 나온 <샤이닝>의 속편 <닥터 슬립>도 큐브릭의 <샤이닝>의 기운을 억누르기 위해 쓴 게 아닌가 생각한다. 이 작품이 미니시리즈나 영화로 만들어진다면 그 작품은 큐브릭 영화에 대한 스티븐 킹의 또 다른 복수가 될 것이다. 어떻게 만들어질지 몰라도 요리사 할
영화가 짝사랑한 작가 스티븐 킹의 작품세계
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지난해 이맘때쯤 정정훈 촬영감독의 초대를 받아 <그것> 촬영현장인 캐나다 토론토로 갈 뻔한 적이 있다. 여러 이유 때문에 취재가 무산되었는데 그때 그가 들려준 얘기 중에서 아직도 떠오르는 일화가 있다. “안드레스 무시에티 감독도, 나도 할리우드에 정착하고 있는 신인이라 서로 통하는 게 많다. 우리는 <그것>이 보편적으로 받아들일 수 있는 성장 이야기라는 점에서 공감했고, 피와 폭력이 낭자해 비명을 지르게 하는 전형적인 공포영화와 다르게 만들기로 의견을 모았다.” 정정훈 촬영감독의 이 말은 <그것>이 어떤 영화인지 짐작을 돕기는커녕 궁금증만 더욱 키웠다.
몇주 전, 그와 연락을 주고받을 때만 해도 그는 미국 LA에서 <호텔 아르테미스>(감독 드루 피어스)의 막바지 촬영을 하고 있었다. <호텔 아르테미스>는 <킹스맨: 시크릿 에이전트> <스타트렉 비욘드> <미이라> 등에 출연한 소피아 부텔라, 조디
<그것> 정정훈 촬영감독 - 클래식하고 감각적인 공포를 만날 것이다
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“우리는 다 함께 맹세했었다. ‘그것’이 다시 시작되면 데리(Derry)로 돌아오겠다고.”
메인주의 작은 마을, 데리에서 걸려온 전화 한통이 일곱 남녀의 악몽을 되살린다. 전화를 건 사람은 고향 데리에 유일하게 남아 있던 친구 마이클. 그는 유년 시절을 함께 보낸 친애하는 동료들에게 두려운 소식을 전한다. “안녕, 나 마이클이야. ‘그것’이 다시 돌아왔어.” 과거를 잊은 채 소설가로 또는 디자이너로, DJ와 건축가와 회계사로, 도서관 사서와 성공한 사업가로 살아가고 있던 일곱 친구는 만사 제쳐두고 고향 데리로 향한다. 11살의 빛나는 여름, 물속에서 손을 맞잡고 약속했으니까. ‘그것’이 돌아오면 함께 막아내기로. 그걸 해낼 수 있는 사람은 그들밖에 없다는 걸 알기에.
1986년 출간된 스티븐 킹의 원작 소설 <그것>은 그의 다채로운 작품 세계 가운데에서 가장 빛나는 작품을 꼽을 때마다 빠지지 않고 언급되는 호러소설이다. 특히 이 작품은 작가 자신이 창조해낸 인물 중
<그것>의 공포를 즐기기 위한 친절 안내서
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2017년의 늦여름, 우리는 다시 스티븐 킹이라는 거대한 이름과 마주하게 되었다. 그의 동명 베스트셀러를 원작으로 하는 영화 <그것>과 <다크타워: 희망의 탑>이 연달아 개봉하는 덕분이다. 호러(<그것>)와 판타지(<다크타워: 희망의 탑>)라는 각기 다른 장르를 취하고 있는 두편의 영화는 스티븐 킹이라는 대우주가 얼마나 다채로운 얼굴을 지니고 있는지 엿보게 해줄 것이다. 두 영화의 개봉을 차치하고라도 미국 작가 스티븐 킹은 지난 수십년 동안 끊임없이 영화라는 매체에 풍부한 상상력을 불어넣어왔다. <캐리>(1976)부터 <쇼생크 탈출>(1995), <그린 마일>(1999)과 <미스트>(2007)까지, 영화사에 자신의 인장을 아로새긴 많은 수작들이 스티븐 킹이라는 하나의 예술적 토양으로부터 비롯되었다. 스티븐 킹이라는 우주는 영화를 통해 어떻게 팽창하고 있는가. 영화는 왜 그의 작품에 끊임없이 매료되는
호러 기대작 <그것>을 통해 본 스티븐 킹의 작품 세계
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<밤섬해적단 서울불바다>는 전복적이다. 권용만, 장성건이 결성한 펑크 밴드 밤섬해적단의 행보를 따라가는 이 독특한 다큐멘터리는 사진작가 박정근이 국가보안법위반으로 기소를 당한 사건까지 두루 엮어 커다란 질문을 던진다. 아무것도 선택하지 않을 자유는 없는가. 싫은 걸 싫다고 말할 자유는 없는가. 밤섬해적단은 사회부조리를 거대한 농담으로 맞받아친 펑크 밴드였고 그저 펑크답게 놀았을 뿐이다. 그런데 그게 문제가 된다. <논픽션 다이어리>(2013)를 통해 국가적 살인에 대한 화두를 던진 정윤석 감독은 그 순간의 비정상을 놓치지 않았다. 밤섬해적단과 함께한 6년, 영화는 몸으로 체험한 사회의 부조리를 음악으로 해소한다. 세대 문제, 권위주의, 사회불평등 등을 외치는 그들의 음악은 소음처럼 귀를 아프게 하고 관객은 이를 외면한다. 정윤석 감독은 이 모습이 사회의 불협화음을 외면하는 한국 사회의 모순과 닮았다고 느끼고 이를 영화로 번역했다. 그러니까 이건 우리의 이야기다.
<밤섬해적단 서울불바다>를 함께 만든 사람들
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2016년 5월 30일 어둠이 깔린 서울 체부동. 한산한 골목에 위치한 카페는 일찌감치 <더 테이블>의 오픈 세트장으로 변신해 있었다. 이날은 비 내리는 장면을 위해 살수차까지 동원됐는데, 마지막 촬영을 앞둔 스탭들은 차분하고 익숙하게 손발을 맞춰나갔다. 초록색 카디건을 단정히 걸친 임수정의 표정에도 여유가 있었다. “어제는 <시간이탈자>(2015) 크랭크업하고 1년여 만의 촬영인 데다 중요한 감정 신이 있어서 좀 긴장했는데 하루 만에 몸이 풀린 것 같다. 오랜만의 나이트 촬영도 기대되고.”
임수정은 <더 테이블>의 네 번째 에피소드에서 결혼을 앞두고 옛 남자 친구 운철(연우진)을 만나 그의 마음을 흔들어놓는 혜경을 연기한다. “어쩌면 혜경의 솔직한 모습이 닮고 싶어서 이 역을 맡았는지도 모르겠다. 얼굴이 알려진 배우로 살다 보니 꼭 남녀 관계가 아니더라도 인간관계에 제약을 느낄 때가 있다. 그런데 혜경은 자신의 감정에 솔직하다. 옛 남자 친구에게
<더 테이블> 임수정 - 시간이 만든 자유로움
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은희는 거짓말쟁이다. <최악의 하루>(2016)에서 사소한 거짓말을 하다 만나는 남자들을 한자리에 모아버린 그는 <더 테이블>에서는 전문 결혼사기꾼으로 등장한다. “행사는 두번 있는 거예요. 상견례 한번, 식장 한번.” 머리를 야무지게 하나로 묶은 단정한 차림을 하고, 엄마 역할을 해줄 동업자에게 자신의 가짜 역사를 늘어놓으면서도 눈 하나 깜짝하지 않는다. 너무 프로페셔널해서 그만 이 사기가 정당한 것이라고 깜빡 속을 듯하다. 김종관 감독의 작품에서 연달아 ‘은희’ 역을 맡은 한예리 이야기다. 어떤 역할을 맡아도 설득당할 법한 그의 단단함 때문일까, 은희는 이번에도 도무지 밉지가 않다.
늦은 오후에 찾은 서촌 골목길의 한 카페에선 <더 테이블> 촬영이 한창이었다. 김종관 감독은 “첫 번째, 두 번째 이야기가 남녀 사이의 비교적 가볍고 유머러스한 이야기라면 이번 이야기는 슬프면서도 애틋한 테마를 잡아주면서 페이소스를 자아내는 에피소드”라고 설명하며
<더 테이블> 한예리 - 언제든 흔들림 없이
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같은 공간도 그 공간에 누가 들어서느냐에 따라 분위기와 온기가 달라진다. 지난해 5월 26일 <더 테이블>의 기상도는 정은채가 만들어낸 경진이라는 인물의 마음의 동세를 좇아 시시각각으로 변화하고 있었다. 새초롬하면서도 다부지고, 강한 듯하면서도 여릿한 경진의 얼굴이 카메라앵글에 클로즈업으로 맺혀 있다. 여사여사한 세상사를 눈앞에 두고서도 호락호락하게 변심하지 않으리라는 듯 어떤 고집이 경진, 아니 정은채의 얼굴 위로 지나간다. 경진은 오늘로서 네 번째 만나는, 그 만남 중 딱 한번 자신의 집에 왔다가 제 손목시계를 남겨두고 홀연히 해외로 여행을 떠났던 남자 민호(전성우)와 재회했다. 경진은 제 마음을 전하고 그 마음을 나누고 싶었던 민호가 이제야 제 앞에 나타난 데 분명히 화가 난 듯 보인다. 몸은 민호와 마주했으나 경진의 시선은 민호를 피해 엉뚱한 곳을 향한다. 정은채는 “경진은 ‘그를 만나면 어떤 표정을 지어야지’라며 미리 생각하고 왔을 거다. 그럼에도 상대의 반응에
<더 테이블> 정은채 - 순간에 집중하기
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체부동 작은 카페의 작은 테이블 앞. 선글라스에 마스크까지. 경계하는 동작을 한 정유미가 낯설다. <더 테이블>의 서문을 여는 첫 번째 에피소드에서 정유미는 ‘스타배우’ 유진을 연기한다. 오래전 헤어진 남자 친구를 만나는 잠깐의 한낮. ‘일반인’ 남자 친구는 스타가 된 전 여친이 그저 신기하다. “잘 지내냐”는 인사와 함께 연이어 나오는 질문들은 양다리설, 폭행설 등 유진을 둘러싼 ‘항간에 떠도는 스캔들’이다.
짜증과 냉소와 기막힘이 뒤섞인 반응숏들이 정유미의 표정에 바삐 오간다. ‘컷’ 소리와 함께 굳었던 얼굴 근육이 풀어지고 웃음을 보이니 그제야 정유미스럽다. “연기가 하고 싶어서” 정유미는 김종관 감독이 제시한 두개의 다른 에피소드들 말고 이쪽을 덥석 집었다고 한다. “감독님이 이 에피소드는 안한다고 할 줄 알았다며, 의외라고 했다. 그런데 그 역할들은 오히려 많이 해봐서 어떻게 하는지를 알겠더라. (웃음)” 2회차의 짧은 촬영, 유진을 연기하는 잠깐 동안 정유미
<더 테이블> 정유미 - 에너지를 얻다
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지난해 봄 <씨네21>은 김종관 감독의 <더 테이블> 현장을 네번 방문했다. <더 테이블>은 하나의 공간을 공유하며 하루의 서로 다른 시간대를 통과하는 네쌍의 이야기를 엮은 작품이다. 각각의 에피소드는 김종관 감독의 오랜 인연 정유미와 한예리, 김종관 감독과의 작업이 처음인 임수정과 정은채가 책임진다. 정유미는 스타배우 유진, 정은채는 하룻밤의 설렘에 속았다고 생각하는 경진, 한예리는 결혼사기꾼 은희, 임수정은 결혼을 앞둔 혜경이 되어 카페 테이블 앞에 앉았다. <더 테이블>은 대화와 시선으로만 채워진 정적인 영화다. 말과 말, 눈빛과 눈빛 사이엔 복잡한 감정들이 부유한다. 정적인 영화를 정적이지 않게 만드는 건 오롯이 네 배우의 몫이다. 영화를 가득 채운 네 배우의 얼굴은 끊임없이 우리에게 말을 건넨다. <씨네21>은 말이 되지 못한 마음을 섬세하게 전하는 그 황홀한 얼굴들을 가까이서 지켜보았다. 서울 서촌 골목의 한 카페에서
<더 테이블> 정유미·정은채·한예리·임수정을 현장에서 만나다
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1964년생인 홍은애씨는 올해 처음으로 <씨네21> 영화평론가상 공모의 문을 두드려 공동 우수상에 당선됐다. 홍은애씨에게 영화는 지친 삶의 단꿈이자 만학의 길이기도 했던 것 같다. 2012년, 홍은애씨는 21년 8개월간 일해온 건강보험공단을 그만두고 영화공부를 본격적으로 시작했다. 대학원에서 영화이론을 공부하며 ‘비평과 대담을 통해 살펴본 에릭 로메르의 영화론’으로 논문을 썼다. 에릭 로메르의 영화를 좇아 파리로 어학 연수를 다녀왔고 로메르 영화 속 공간들을 직접 카메라에 담아 영화로도 만들었다. 좋아하는 것들을 찾아가보려는 시도의 연장선상에 영화평론도 있었다.
-이론비평으로 에릭 로메르와 홍상수 감독의 영화를 비교하며 영화 속 거짓말의 작동법에 대해 썼다.
=에릭 로메르는 논문으로 한번 다뤘던지라 상당 부분 그때의 공부에 빚을 졌다. <파리의 랑데부>(1995) 중 <7시의 랑데부>를 특히나 좋아해 영화 속 공간으로 찾아가 카메라로 찍기도 했
[당선자 인터뷰⑥] 우수상 당선자 홍은애 - 자신감을 갖고 글을 쓰고 싶다
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필립 가렐의 영화에서는 대체로 아들 루이 가렐이 연기를 담당했었는데, <인 더 섀도우 오브 우먼>에서 인상적인 점은 루이 가렐이 목소리로 출연한다는 것이었다. 또한 이미지로 보여주기 전에 벌어질 상황을 화면 밖 목소리가 미리 알려준다는 점이 흥미롭다. 엘리자베스(레나 포감)가 지하철역 근처 카페에 신분증 재발급에 필요한 인지를 사러 갔다가 그녀의 연인인 피에르(스타니슬라 메하르)의 아내가 다른 남자와 함께 있는 것을 보게 되고 충격을 받는 신이 있다. 이 사건을 계기로 이들 부부는 파경에 이르고 엘리자베스 또한 피에르와 헤어지게 된다. 그렇다면 감독은 이 신을 어떻게 구성하는가? 여기서 감독은 이미지와 목소리를 어떤 방식으로 배치하는가?
우선 이 신의 첫 장면은 공교롭게도 지하철 역명이 ‘좋은 소식’인 역 입구에서 시작한다. 역의 지하철 입구가 보이면 계단을 뛰어 올라오는 엘리자베스가 보이고 카페의 입구로 들어가는 아주 짧은 시간 동안 그녀의 등 뒤로 “엘리자베스는 마
[작품비평 요약⑤] <인 더 섀도우 오브 우먼>, 보여주는 이미지와 바라보는 목소리의 조화
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영화에서 이미지보다는 말을 중요하게 다루는 감독이라면 즉각적으로 에릭 로메르를 떠올릴 수 있을 것이다. 그의 영화에서 등장인물은 끊임없이 말을 한다. 하지만 등장인물이 우리에게 들려주는 그 말들은 다 진실일까? 그렇지 않다. 로메르는 1995년 <파리의 랑데부>의 개봉에 앞서 가진 <카이에 뒤 시네마>와의 인터뷰에서 앙드레 바쟁의 말을 인용해서 “영화는 근본적, 존재론적으로 객관적인 면이 있고 그러한 이상 영화에서 의심이란 필요하며, 촬영된 사실에 대한 관객의 의심이 있어야 예술로서의 영화가 성립한다”고 말한다. 이는 영화에는 거짓말이 개입될 수 있어야 하며 그런 가능성이 없다면 관객은 등장인물이 하는 말을 그대로 믿어버리게 되고 말과 현실이 일치하는 상황이 발생하지만, 극의 재미는 말과 사실이 다르다는 것을 보여주는 데 있다는 것이다. 로메르가 밝히고 있듯이 <파리의 랑데부>는 세개의 짧은 에피소드로 구성된 작품으로 첫 번째 에피소드인 <7시의
[이론비평 요약④] <파리의 랑데부>와 <당신자신과 당신의 것>을 중심으로
