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불안한 인상의 사내는 눈을 내리깐 채 바닷바람을 정면으로 마주하고 있다. 막 전쟁에서 돌아온 퇴역군인 프레디 이다. 전후 미국의 정신적 세계를 다룬 영화 <마스터>에서 그로 분한 배우 와킨 피닉스는 말 그대로 온몸을 동원해 그의 내면 풍경을 스크린 위에 새겨넣는다. 그 몇몇 표정들에 깊이 감화 받아 섣부르게나마 와킨 피닉스가 지나온 몇몇 영화적 풍경을 곱씹어보는 이 기획을 마련하게 되었다. 결론부터 말하자면, 우리는 와킨 피닉스를 향해 긴 구애를 벌였던 폴 토머스 앤더슨 감독의 선택에 전적으로 공감할 수밖에 없다.
Filmography
2013 <허> <인히어런트 바이스>
2012 <마스터>
2010 <아임 스틸 히어>
2008 <투 러버스>
2007 <레저베이션 로드>
2007 <위 오운 더 나잇>
2005 <앙코르>
2004 <래더49> <빌리지> <호
분노로 서서 불안으로 날다
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링링의 모델이 되는 고릴라는? 고릴라 연기는 누가, 어떻게? 링링이 프로야구 9개 구단 중 두산 유니폼을 입은 이유는? <미스터 고>는 4년이라는 긴 시간에 걸쳐 만들어진 영화인 만큼 제작 뒷이야기가 풍성한 작품이다. 프리 프로덕션부터 3D 촬영 그리고 VFX(시각특수효과) 같은 후반작업까지 영화의 전 공정 중 독자들이 궁금해할 제작기를 <미스터 고> 스탭들로부터 들었다. 영화를 보기 전에 참고해도 좋고, 영화를 보고 난 뒤 읽어도 괜찮다.
<미스터 고>의 고릴라 링링은 동물원에서 영감을 얻었다는데, 정말인가?
맞다. 김용화 감독이 촬영 전 자주 들른 곳이 바로 서울대공원의 유인원관이었다. 고릴라 부부 고리롱과 고리나의 움직임을 관찰하러 갔다고 한다. 감독을 비롯해 연출부들이 자주 찾다보니 고릴라들이 나중에는 연출부 중 한명을 인지하고 반가워 하기도 했으며, 때문에 지지난해 고리롱이 죽었을 때 김용화 감독이 많이 힘들어했다고. 동물원을 방문하고
링링은 왜 두산 베어스 유니폼을 입었을까?
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김용화 감독을 만나기로 한 날, 인터뷰 시간을 40분 미루자는 연락이 왔다. 2천명의 관객이 함께하는 <미스터 고>의 시사회에 참석해 상영 중간에 빠져나오려 했다는데, 그는 결국 관객석에 남아 끝까지 관객과 영화를 보는 쪽을 택했다. 대중의 반응이 그 어떤 것보다 더 중요하고 엄중한 심판의 잣대인 김용화 감독은 7월 17일 <미스터 고>의 한국 개봉을 앞두고 부쩍 마음을 졸이는 모습이었다. 극장에서 관객과 함께 호흡하며 단련된 그의 흥행 감각은 그의 전작 <국가대표>와 <미녀는 괴로워>처럼 <미스터 고>에서도 빛을 발할 수 있을까. 그가 4년 동안 품었던 작품, 그리고 애증의 디지털 고릴라 링링과 얼마 전 “눈물로 이별했다”는 김용화 감독을 만나 영화 뒤편의 이야기를 나눴다.
-요즘 살인적인 스케줄을 소화하고 있는 것 같다.
=못 잔다. 그런데 못 자도 피곤하지가 않다. 마치 약 한 사람처럼. (웃음) 7월 13일엔 중국으로
눈은 거짓말을 못한다
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“방금 영화를 처음 봤는데, 너무 감격해서 울컥했어요.” 7월8일, <미스터 고>의 언론시사회에 참석한 서교는 이렇게 말했다. 하지만 영화가 개봉하는 7월17일 이후엔 이 열일곱살의 중국 소녀가 한국 관객의 눈물샘을 자극할 거다. 너무 이른 나이에 세상의 잔혹함을 알아버린 <미스터 고>의 웨이웨이(서교)는 지키고 싶은 것들을 위해 강해지려 하지만 정작 가장 가까운 존재인 고릴라 링링의 소중함을 헤아리지 못한다. 그녀가 마침내 자신의 무심함을 깨달을 때, 서교의 연기도 빛난다. 베테랑 배우 성동일이 “내가 부끄러워졌다”고 말할 정도로 어린 나이에도 불구하고 절제된 슬픔을 표현할 줄 아는 그녀를 보고 있자면 과연 “앞으로 중국을 호령할 여배우가 될 것”이라는 김용화 감독의 말은 과장이 아니다. 데뷔작 <CJ7: 장강7호>(이하 <장강7호>)의 장난꾸러기 아들 연기로 주목받은 게 불과 5년 전인데 몸도, 연기력도, 어느새 훌쩍 성장해버린 중국 청
“김용화 감독님께 연기를 많이 배웠어요”
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“불가능? 불가능을 가능으로 만든다! 그게 서커스예요. 그런데 기자 아저씨들은 왜 똑같은 걸 매일 물어봐요?” 영화가 시작되면, 단발머리의 중국 소녀 웨이웨이(서교)가 카메라를 응시하며 이렇게 말한다. 어쩌면 이것은 <미스터 고>를 만들기로 결심한 김용화 감독이 소녀의 목소리를 빌려 전하고 싶은 말이었는지도 모르겠다. 1천여컷 분량의 ‘야구’ 하는 CG 고릴라, 그를 풀 3D 영상에 담아내겠다는 선택. 4년 전만 해도 <미스터 고>라는 프로젝트는 한국 영화계의 가장 예측 불가능하고 위험한 곡예처럼 느껴졌다. 감독조차 “그 끝을 가늠할 수 없다”고 말했던 <미스터 고>가 오랜 산통 끝에 드디어 거대한 막을 열어젖혔다. 7월8일 언론시사회에서 공개된 이 영화는 한국 최초로 등판한 디지털 주연배우를 앞세워 보는 이들의 마음을 움직이는 데 성공했다. 무엇보다 중요한 변화는 <미스터 고> 이후 충무로의 그 어떤 영화인도 기술적인 도전에 있어 ‘불가능
기대하라! 리얼리티 그 이상의 비주얼
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7월8일 월요일, 오후 2시경 출산. 산모 건강. 아기 몸무게 300kg…? 덱스터 디지털에서 배양되던 디지털 고릴라가 7월8일 <미스터 고>의 언론시사회를 통해 드디어 세상 밖으로 나왔다. 4년간의 산통 끝에 한국 영화계가 낳은 이 고릴라는 할리우드의 숙련된 디지털 기술과 비교하더라도 유려한 퀄리티를 자랑하고, 가장 유명한 유인원인 콩(<킹콩>)과 시저(<혹성탈출: 진화의 시작)보다 훨씬 사랑스럽고 귀여운 정서를 타고났다. 디지털 테크놀로지의 변방국인 한국 출신의 스탭 400여명이 ‘맨땅에 헤딩하는’ 심정으로 4년간 키워낸 디지털 고릴라의 실체와 김용화 감독의 전작 <국가대표> <미녀는 괴로워>를 계승하는 것 같으면서도 한편으로는 다른 정서를 선보이는 <미스터 고>의 면모를 지금이야말로 파헤쳐볼 때다.
고릴라보다 더 고릴라 같은 디지털 3D 고릴라를 만나다
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-<랭고>에 이어 <론 레인저>로 또다시 웨스턴 장르를 택한 소감을 묻고 싶다. <랭고>가 <론 레인저>를 연출한 발단이었나.
=글쎄, 굳이 순서를 따지자면 거꾸로 된 것 같지만 <론 레인저>가 진짜고, <랭고>는 재미있자고 만든 거였다. 어릴 때부터 지금까지 존 포드, 세르지오 레오네 등의 웨스턴영화를 좋아했지만, 꼭 만들어야겠다고 결심하고 계획한 적은 없다. 그러다 내게 진짜 먼지가 가득한 사막에서 기차와 함께 뛰고 뒹굴 기회가 왔다. 물론 웨스턴영화를 만드는 일은 어렵다. 위험하기도 하다. 그래서 나는 이 영화뿐 아니라 모든 웨스턴영화를 만드는 감독과 그 영화에 참여한 스탭에게 경의를 표하고 싶다.
-영화가 톤토의 시각에서 보여준다는 점이 독특하다.
=라디오 쇼와 TV시리즈 <론 레인저>를 보면서 가장 끌린 점은 톤토와 론 레인저의 관계였다. 이전에는 다루지 않았지만, 영화에서 론 레인저는 톤토의 창
웃음 안에 눈물이, 눈물 안에 웃음이
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뉴멕시코주의 자그마하고 아름다운 도시 산타페를 다시 찾은 건 약 1년 만이었다. <론 레인저>를 한창 촬영 중이던 1년 전, 카니발의 기인들과 구경꾼과 창녀로 분장한 수백명의 보조출연자들로 뜨거웠던 촬영장의 열기가 아직도 생생하다. 그동안 영화는 부지런히 촬영과 편집을 마치고 극장 개봉을 앞둔 상태에서 각국 기자들을 산타페로 또 한번 초청했다. 도시를 조금 벗어난 한적한 리조트에서 열린 기자회견에는 조니 뎁, 아미 해머, 루스 윌슨, 윌리엄 피츠너 등 출연 배우들과 고어 버빈스키 감독, 제리 브룩하이머 제작자가 자리를 함께했다. 기자단이 던지는 질문의 95%가 조니 뎁을 향한 건 어찌 보면 당연한 일. 일부러 편집하지 않아도, 조니 뎁 단독 인터뷰나 다름없었던 기자회견을 정리해 전한다. 함께 전하는 감독과 제작자의 인터뷰는 1년 전 촬영장에서 진행한 현장 인터뷰의 일부와 기자회견의 내용을 조합한 것이다.
-영화는 늙은 톤토(조니 뎁)가 이야기를 들려주는 형식으로 진행된
“인디언에 대한 왜곡된 이미지를 바로잡고 싶다”
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웨스턴 장르 전통과 <캐리비안의 해적> 시리즈 팀이 고안한 판타지 어드벤처 액션이 뒤섞인 <론 레인저>(2013)는 그냥 봐도 호탕하다. 놀이동산에서 스피디한 기구를 탈 때 느끼는 짜릿함을 선사한다. 그렇긴 하나 더 즐겁게 보기 위해 장르적인 혈연관계를 추적하고, 당대적인 메시지를 추론해보자. 이 영화는 고전적인 관습 안에 시의성을 녹여낸다. 널리 알려진 바대로 웨스턴은 미국의 건국신화다. 서부 개척, 문명화의 영광과 그늘이 공존하는 스토리와 정의롭지만 외로운 남성 영웅은 웨스턴의 골간을 이룬다. <론 레인저>도 화소나 도상에서 이런 전통을 이어받고 있지만, 건국신화에 질문을 던진다. 고전적 장르로서 웨스턴 쇠퇴 이후 등장한 새로운 웨스턴들이 던진 질문과는 다르다. 흑인이나 여성 영웅이 등장하거나 백인이 인디언 문화에 동화되는 그런 방식이 아니라, 짐짓 전통의 수호자 같은 포즈를 취하며 한편으로는 한바탕 놀이인 척하며 웨스턴을 뒤흔들고 나아가 미국식
정의를 의심하다
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-어떻게 이렇게 젊은 나이에 거장이 되었나요.
=1970년 6월20일생으로, 올해 그는 마흔세살입니다. 1996년 <리노의 도박사>로 젊은 나이에 데뷔했죠. 90년대에 혜성처럼 등장한 감독들(대런 애로노프스키, 크리스토퍼 놀란 등) 중에서도 단연 빼어나다는 평을 듣고 있습니다. 캘리포니아 남부의 샌페르난도밸리에서 나고 자란 그는 전형적인 아웃사이더 작가입니다. 할리우드의 변방이자 황폐한 도시 근교에서 자란 성장 배경이 아메리칸 드림의 어두운 그림자를 예민하게 포착하는 유별난 재능의 토양이 되었다고 볼 수 있겠죠.
-지독한 영화광이라고 하던데요.
=<부기 나이트>를 통해 제2의 타란티노란 칭찬을 들을 만큼 잘 알려진 영화광입니다. <부기 나이트>는 실제로 극장용 포르노를 탐닉했던 그의 경험이 녹아 있기도 하죠. 1970년 뉴 아메리칸 시네마의 대표주자인 로버트 알트먼, 마틴 스코시즈, 조너선 드미, 시드니 루멧 등이 자신의 영화적 양분이 된 감독들이
타협 따윈 몰라
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<마스터>의 안팎을 관통하는 화두는 시간여행이다. 코즈의 마스터인 랭카스터 도드는 사람들에게 시간여행을 제안한다. 그들이 주장하는 코즈의 이론에 따르면 모든 존재는 죽지 않는 혼이 있어 육체를 바꿔가며 긴 세월을 살아가고, 랭카스터만의 독특한 방식을 거치면 영혼이 지나온 과거를 되짚어 현재의 문제를 해결할 수 있다는 것이다.
<마스터>의 감독 폴 토머스 앤더슨도 시간여행을 시도한다. 그는 관객을 영화의 무대가 되는 1950년대 미국으로 데려가 그 시대를 경험시키려 한다. 이는 과거를 배경으로 한 영화에서 흔히 볼 수 있는 재현과는 차원이 다른 관점에서의 접근이다. 여타 영화들이 지금 시점을 중심으로 과거를 대상화해 현재에 재현하려 애썼다면 <마스터>는 1950년대 관객이 영화관에서 경험했을 체험, 화면의 질감, 선명하다 못해 넘쳐날 지경의 색감 등을 스크린에 옮겨놓는다.
프로덕션 디자인을 맡은 잭 피스크의 말처럼 그것은 “50년대를 본뜬 세트를
Back to the 50’s
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폴 토머스 앤더슨이 5년 만에 <마스터>로 돌아왔다. 그가 내놓은 ‘실물보다 큰’ 마음의 지도를 따라 헤매다, 그가 어떻게 1940∼50년대 미국을 복원해냈는지, 복원 과정에서 중요한 힌트로 삼은 것은 무엇인지, 그 모든 노력을 마다하지 않은 이유는 무엇인지 궁금해할 이들을 위해 한 인터뷰를 여기에 옮긴다. <사이트 앤드 사운드> 2012년 12월호에 실렸던 인터뷰다.
-<마스터>를 시작할 때 전쟁 직후를 배경으로 한 이야기를 해보고 싶은 욕망이 있었나.
=인터뷰를 시작하기에 좋은 질문이다. 하지만 솔직히 이 영화의 발단이 된 최초의 아이디어가 무엇인지는 나도 기억이 나지 않는다. 이 영화를 만드는 것에 대해 심각하게 고려하기 시작했을 무렵, 내가 정말 만들어보고 싶었던 건 자크 투르뇌르의 거친 영화들처럼 긴장감이 있으면서도 한편으로 저속해 보이는 B무비였다. 복고풍 영화를 만들겠다는 생각은 없었지만, 그런 충동이 일었던 건 기억이 난다. 그런 부
수수께끼 같아?
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‘The Master’라고 쓰인 타이틀이 어둠 속으로 자취를 감추면, 카메라는 바다를 내려다보고 있다. 방금 한척의 배가 자신을 가르고 지나간 흔적을 고스란히 드러내고 있는 바다. 눈부시게 새파란 수면 한가운데로 새하얀 거품이 어지럽게 모였다 흩어지는 광경이 지나치게 선명하다. 하지만 그 공기 방울을 낱낱이 포획하려던 카메라는 결국 아무것도 붙잡지 못한 채 멈춰 있다. 수시로 표정을 달리하는 파도는, 손가락 사이로 새어나가는 모래알처럼, 카메라의 시선을 빠져나간다. 그 물결이 어디서 흘러왔는지, 어디로 흘러갈지도 불분명하다. 분명한 것은 그것이 바다라는 사실, 거기에 바다가 있다는 사실뿐이다. 폴 토머스 앤더슨의 <마스터>는 그 지표 없는 표면 위에서 시작한다. 끝내 그 심연을 벗어나지 못하리란 예감 속에 관객을 방치한 채로.
‘스토리텔링’보다 ‘비주얼텔링’
이어 영화는 마스터 숏 하나 없이 다짜고짜 과격한 캐릭터 묘사로 바로 들어가버린다. 신과 신 사이의 이동도 우
현대 미국의 정신적 풍경
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해변의 모래 여인 옆에 한 남자가 찡그린 얼굴을 하고 앉아 있다. 아득한 수평선으로부터 고개를 돌린 채 허공을 바라보는 그의 모습은 마치 길을 잃은 불쌍한 아이의 그것과도 같다. 이 특집은, 그 아이와 함께 <마스터>라는 영화의 망망대해에 뛰어들어 겨우 물 위에 떠 있는 시늉이라도 해보려 한 안간힘의 발로라고 해야 할 것이다.
폴 토머스 앤더슨은 동시대 미국 감독 중 젊은 나이에 비해 괴력의 재능을 지닌 작가로 인정받아온 인물이다. 그가 전작 <데어 윌 비 블러드>를 통해 20세기 초 미국의 서부를 여행했을 때 우리는 그동안 그의 영화에서 무언가 잠재해 있던 것이 본격화하고 있다고 느꼈는데, 5년 뒤 그 짐작의 확증과도 같은 영화 <마스터>가 도착했다. 그 잠재해 있던 것이란 ‘미국의 정신사’라고 부를 만한 것이다. 그가 어떻게 전작에 흥건히 고여 있던 피를 닦아내고 제2차 세계대전 직후 미국인들에 대한 심리적 보고서를 완성했는지 궁금할 이들에게,
마스터에게 경배를
