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재미가 있느냐 없느냐로 단순히 가르자면 재미있다고 느낀 쪽이다. 다만 목표는 물론 이를 달성하는 방식이 너무도 선명해서 비평적으로 뜯어볼 여지는 그다지 없는 영화라고 생각했다. 적어도 그 장면에 도달하기 전까진 말이다. 적당히 익숙하고 간간이 기발한 좀비 활극을 심드렁하게 관람하던 내 몸을 곧추세운 건 15호 칸에 있던 생존자들이 학살당하는 순간부터였다. 서사적으로 15호 칸 승객들의 전멸이라는 선택은 연상호가 세계를 해독하는 방식을 단적으로 드러내는 이 영화의 결정적 장면이라 할만하다. 여기서 몇 가지 질문을 해볼 수 있을 것이다. 15호 칸 승객들의 행동이 그렇게 단죄되었어야 할 만큼 이기적이었나. 생존에의 욕망과 이기심은 불가분의 관계인가. 이기심과 악은 동일 선상에서 논할 수 있는가. 연상호 감독이 그간 애니메이션을 통해 지속적으로 던진 화두가 이 한 장면에 녹아 있다.
15호 칸의 학살(이 상징적인 전멸 장면을 어떻게 칭할까 고민했다. 학살이라고 부른 이유에 대해
[송경원의 영화비평] <부산행> 속 15호 칸의 학살을 둘러싼 불투명한 정서
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늦은 밤, 클럽에서 나와 홀로 지하철역으로 향한 이사벨(아나 디 아르마스). 적막한 플랫폼엔 검은 슈트를 입은 남자와 그녀, 둘뿐이다. 흰 피부에 흰 머리카락을 가진 남자는 이사벨을 창백한 눈길로 응시한다. 이사벨 또한 곁눈질로 그를 지켜보는 가운데, 남자는 철로로 다가서더니 플랫폼을 벗어나 공중을 걷기 시작한다. 패닉 상태의 이사벨을 뒤로한 채 남자는 지하철을 타고 유유히 사라진다. 한편 같은 날 지하철에서 일어난 살인사건으로 동료를 잃은 형사 스코티(키아누 리브스)는 홀로 범인을 찾아나선다. 주어진 단서는 동료가 죽기 직전 찍은 사진 몇장뿐.
영적인 현상이 가미된 범죄 스릴러다. 형사 스코티가 범인을 추적하는 과정과 이사벨의 초현실적인 경험이 교차로 제시된다. 두 인물은 어떠한 상관관계도 없는 듯 보이지만 스코티의 수사망에 이사벨의 주변 인물들이 포착되면서 접점이 생겨나기 시작한다. 수사 과정은 지나치게 단순하고 반복적이다. 스코티가 할렘의 용의자를 하나둘 찾아다니며 가벼운
사건의 유일한 단서가 된 그녀를 쫓아라 <익스포즈>
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<서유기>는 수차례 재해석되었지만 그다지 식상하단 느낌이 없다. 워낙 탄탄한 서사이기도 하거니와 손오공, 사오정, 저팔계, 삼장법사까지 각 캐릭터의 개성이 선명하기 때문일 것이다. <슈퍼 프렌즈>는 <서유기>와 로봇이란 소재를 결합해 새로운 모험을 떠난다. 허당기 넘치는 천재 과학자 샘은 괴짜 로봇 삼총사를 만들어낸다. 곤봉을 다루는 수다쟁이 로봇 손오공, 신문을 손에서 놓지 않는 눈치백단 로봇 사오정, 힘 하나는 제일인 먹방로봇 저팔계는 테마파크 로보월드에서 서유기쇼를 공연하는 배우들이다. 어느 날 악당 오스카가 거대 로봇을 동원해 도시를 침공한다. 오스카는 어렸을 때부터 짝사랑해오던 시장 캐서린의 마음을 얻기 위해, 수단과 방법을 가리지 않고 급기야 거대 로봇으로 도시를 파괴하기 시작한다. 이를 막기 위해 로봇 삼총사는 힘을 합친다.
장르를 설명하자면 코믹 어드벤처 로봇 액션 정도가 되겠다. 캐릭터의 틀은 빌려왔지만 모험의 초점은 로봇들이 보여주
'하필' 듣도, 보도, 못한 녀석들에게 맡겨진 도시의 운명 <슈퍼 프렌즈>
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원제는 ‘사랑과 분노의 역사’다. <리우 2096>은 브라질 리우데자네이루의 600년 역사를 관통하는 동안 한 남자가 겪어온 끈덕진 사랑과 투쟁에 관한 대서사시다. 영화는 레이저건에 머리를 쏘일 위험에 처한 한 남자의 회상으로부터 시작한다. 시간을 한참 거슬러 오른 1566년, 브라질 원주민인 투피남바족의 땅 구아나바라에는 무냐신에게서 특별한 능력을 받아 부족을 구하리라는 전사 아베구아(셀튼 멜로)가 살고 있다. 아베구아는 자나이나(카밀라 피탄가)를 깊이 사랑하고 있다. 하지만 청정 구역이었던 구아나바라에도 잔혹한 서구 문명이 난입한다. 투피남바족은 포르투갈과 프랑스의 세력 다툼 사이에서 몰살당하고 자나이나를 잃은 슬픔에 벼랑 아래로 몸을 던진 아베구아는 새가 된다. 불사의 영혼을 지니게 된 아베구아는 그 뒤로도 육신의 삶과 죽음을 거듭하며 자나이나를 찾아 헤맨다. 두 사람은 역사에 항상 존재했던 권력의 폭압에 맞서다 죽는 운명을 되풀이한다. 1825년 마라냥에선 노예제
사랑과 분노의 역사 <리우 2096>
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제2차 세계대전 중 일본의 패색이 완연해진 1945년, 연합군은 대일 공동선언인 포츠담선언을 발표하며 일본에 무조건 항복을 요구한다. 히로시마와 나가사키에 원자폭탄이 투하된 후, 쇼와 일왕(모토키 마사히로)과 스즈키 총리(야마자키 쓰토무)를 비롯한 내각은 항복하려 하지만, 군부는 불복하고 항전 의지를 굽히지 않는다. 항복을 선언하기로 한 일왕의 라디오 방송 전날, 이를 막고 쿠데타를 일으켜 항전하려는 군부와 내각 사이 충돌이 벌어진다.
일본의 태평양전쟁 패전을 다룬 영화로, 일본이 스스로의 치부와 패배를 객관적이고 반성적으로 돌아보는 시선이 있느냐가 이 영화의 작품성을 판가름하는 관건이 될 것이다. 그런 맥락에서 <일본패망하루전>은 태평양전쟁을 미화한 <남자들의 야마토>(2005)를 비롯한 우익 성향의 일본영화들과 달리 어느 정도 객관화가 된 편이다. 패전을 받아들이는 일왕과 총리, 끝까지 항전하려는 군부의 갈등은 치열하지만 무력하고 덧없다. 영화는 항복할
마침내 시작되는 역사, 처절한 몰락 <일본패망하루전>
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주택가 추락사고를 보도하게 된 방송국 리포터 미시마(이타노 도모미). 사고로 죽은 남자의 집을 찾은 미시마는 비정상적인 광경을 목도한다. 하수구 구멍, 창틈, 벽장 틈 등 집 안 곳곳의 틈이 테이프로 메워져 있었던 것. 피해자의 여자친구 카즈요는 미시마에게 얼마 전 죽은 남자친구와 함께 로쿠부 고개에 다녀왔음을 털어놓는다. 그곳에서 노조키메라고 불리는 소녀의 망령을 본 후, 틈새로 누군가 자신을 지켜보는 환각에 줄곧 시달려왔다는 것이다. 카즈요 또한 얼마 못 가 사고로 죽고 만다. 미시마는 호러 소설을 쓰는 남자친구 신지(시라이시 야)와 로쿠부 고개로 향한다. 미시마가 고개 너머 마을의 흔적을 더듬는 사이, 신지의 눈에 기모노를 입은 여자아이가 들어온다.
호러와 미스터리를 결합한 장르 소설의 거장 미쓰다 신조의 <노조키메>가 영화로 재탄생했다. ‘노조키메’(のぞきめ)는 ‘엿보는 눈’이라는 뜻으로, 주변 공간의 틈과 익숙하게 체감하는 타인의 시선이 공포의 근원이 된다.
미처 막아놓지 못한 구멍에서 마주친 ‘의문의 눈’ <노조키메>
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자동차 판매원 정수(하정우)는 집으로 가는 길에 하도터널 붕괴로 매몰된다. 의식을 찾은 정수는 자신이 터널 안 거대한 콘크리트 잔해에 깔렸음을 알게 된다. 구조대책본부 김대경 대장(오달수)의 노력과 아내 세현(배두나)의 무사 염원에도 불구하고 매몰된 위치조차 제대로 파악되지 않는 그를 구하는 건 요원해 보인다. 구조가 지지부진해지면서 구조 작업을 둘러싼 여론이 분열된다. 게다가 인근 제2터널 완공의 재개를 위해서도 구조를 중단해야 한다는 의견이 속출하기 시작한다.
영화 시작 후 곧바로 하도터널이 붕괴된다. 스피디한 초반 전개가 김성훈 감독의 전작 <끝까지 간다>(2014)와 구성 면에서 닮았다. 남은 90%는 사고 이후, 붕괴된 터널 안과 밖의 급박한 상황이다. 터널 안에서 가능한 액션, 생존에 필요한 도구와 활용 방법, 휴대폰 같은 소통 도구 등이 장르를 흥미롭게 구축할 요소로 사용된다. 소재로 볼 때 터널 붕괴사고를 다룬 롭 코언의 <데이라잇>(1996)
우리 중 누구라도 정수처럼 될 수 있는 불안한 사회 <터널>
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동계올림픽 유치를 위해 여자 아이스하키팀이 급조된다. 자격 미달의 대웅(오달수)이 여자 아이스하키팀 감독직을 맡게 되고, ‘국대 감독’이란 타이틀에 흥분한 대웅은 팀원 모집에 적극적으로 나선다. 북한의 아이스하키 국가대표 선수였지만 핀란드 이민을 계획하고 있는 지원(수애), 과도한 승부욕이 ‘팀킬’을 불러일으켜 쇼트트랙 국가대표에서 아이스하키팀으로 강제퇴출당한 채경(오연서), 시간외수당을 노리고 합류한 아이스하키협회 경리 미란(김슬기), 외모 가꾸기에 관심이 많은 전직 피겨 요정 가연(김예원), 열정을 불사를 무언가가 필요한 아줌마 영자(하재숙), 최연소 국가대표 소현(진지희)은 허울만 좋은 국가대표 선수가 되어 손발을 맞춘다. 오합지졸처럼 보였던 이들은 외부의 냉대에 점차 스스로 결속하기 시작하고, 아오모리 동계아시안게임에 출전해 메달 획득까지 노린다.
스포츠에선 확률과 예측을 뛰어넘는 감동적인 드라마가 종종 펼쳐진다. 대부분의 스포츠 드라마는 이 감동의 순간을 획득하려 한다.
뭉치면 싸우고 흩어지면 출전불가! <국가대표2>
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미국의 전설적인 재즈 뮤지션 마일스 데이비스는 1970년대 중반 건강상의 이유로 은퇴를 선언했다. 그런 다음 1980년대 초 다시 음악계로 복귀해 《더 맨 위드 더 혼》(1981), 《투투》(1986) 등의 음반을 발표했다. 다시 돌아온 그가 선보인 음악은 예전과 같지 않았다. 아니, 어쩌면 일순간의 변화라기보다는 마일스 데이비스의 인생 자체가 변화와 도전을 위한 장이었다고 할 수 있을지도 모르겠다. “나는 재즈라는 말이 싫어. 틀에 갇히는 것 같아서”라는 영화 <마일스>의 대사처럼, 그는 전통적인 재즈에서 록사운드로, 록사운드에서 팝으로 끊임없이 자신의 영역을 확장해나갔다. 배우 돈 치들이 연출과 주연을 겸한 영화 <마일스>는 재즈 뮤지션 마일스 데이비스의 전반적인 일생을 다루는 영화는 아니다. 이 작품은 오히려 마일스 데이비스가 은퇴를 선언하고 대중 앞에서 모습을 감춘, 그 시기의 이야기를 조명하고 있다. 음악잡지 <롤링스톤>의 기자 데이브 브래든
"나는 재즈라는 말이 싫어. 틀에 갇히는 것 같아서" <마일스>
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-과거 전설적인 가수였으나 현재는 목소리를 잃은 마리안, 이탈리아에서의 언어적 혼선, 이탈리아어를 할 줄 알지만 침묵을 지키는 페넬로페 등 <비거 스플래쉬>는 소통 불능에 관해 다루고 있다. 이러한 설정으로 당신이 영화에서 드러내고자 하는 건 어떤 것들이었나.
=영화의 배경으로 설정해둔 것들이 의미하는 바를 일일이 설명하는 것은 내게 어려운 일이다. 난 관객이 각자 어둠 속에 홀로 뛰어들어 내가 영화를 만든 이유를 스스로 생각해주었으면 한다. 분명히 말할 수 있는 건, 말을 하지 못하는 마리안이나 암호처럼 알 수 없는 페넬로페 등의 내러티브 장치들로 나는 가능한 한 복잡하게 영화의 배경을 층층이 쌓아나간다는 것이다. 영화는 내게 장난감이 많은 큰 놀이터와 같다.
-인물들의 소통 불능은 각 인물들이 서로의 진면목을 제대로 알고 있는지 불확실하다는 데서도 드러난다. 가령 해리와 페넬로페는 부녀라고는 하지만 만난 지 겨우 일년밖에 되지 않았고, 서로를 깊이 사랑하는 것
[스페셜] 경험을 받아들이기 위해선 모든 감각을 깨워두어야 한다 - 감독 루카 구아다니노 서면 인터뷰
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절대 변할 것 같지 않은 커플이 시골의 호젓한 저택에 살고 있다. 이곳에 남자의 친구, 그리고 여자의 ‘젊은’ 질녀가 등장하며, 네 사람의 관계에서 서서히 긴장이 잉태된다. 사랑의 힘이 빚어내는 화학작용은 인간의 모든 이성적 통제를 무력화시키고, 결국 스스로 파멸하는 데까지 이른다. 사랑은 오직 자기 자신, 곧 사랑만을 위해 돌진하는 이기적인 마력을 가졌다. 죽음이 사랑의 관계를 끝내기 전까지, 사랑은 결코 스스로 자신의 운명을 중단시키는 법이 없다. 문호 괴테가 <친화력>(1809)에서 피력한 사랑의 자기 파괴적 운명이다.
괴테의 <친화력>, 네 남녀의 화학작용
괴테가 서술한 ‘친화력’의 구성요소가 네명의 캐릭터다. 남자 두명, 여자 두명, 그리고 여자 가운데는 세대 차이가 나는 젊은 여자가 포함돼 있다. 이런 관계를 저택의 ‘수영장’이라는 좁은 공간에 한정하여, 범죄에 가까운 사랑의 힘을 그린 스릴러가 자크 드레이 감독의 <수영장>(1969)
[스페셜] 연적을 선택하는 특별한 기준 - 루카 구아다니노, <비거 스플래쉬>
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<아이 엠 러브>(2009)의 루카 구아다니노 감독이 <비거 스플래쉬>로 돌아왔다. 전설적인 록스타 마리안(틸다 스윈튼)은 영화감독인 남편 폴(마티아스 쇼에나에츠)과 이탈리아의 작은 섬에서 휴가를 즐기고 있다. 어느 날 마리안의 옛 연인인 음반 프로듀서 해리(레이프 파인즈)가 뜻하지 않게 딸 페넬로페(다코타 존슨)와 함께 방문하면서 그들의 여유로운 휴가는 깨지고 만다. 마리안과의 과거를 되돌리고 싶어 하는 해리와 그런 해리가 신경 쓰이는 폴, 그리고 속내를 알 수 없는 페넬로페. 시간이 지날수록 그들의 관계는 질투와 욕망이 뒤섞여 전개된다. <아이 엠 러브>에서도 그랬듯 <비거 스플래쉬>가 이탈리아영화 전통에 대한 오마주를 종종 드러낸다는 한창호 평론가가 글을 보내왔다. 그리고 루카 구아다니노 감독과 나눈 서면 인터뷰도 덧붙인다.
[스페셜] 루카 구아다니노, <비거 스플래쉬>
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-<태풍이 지나가고>를 구상할 당시 <걸어도 걸어도>풍의 가족극이 될 거라고 예고했다.
=돌아가신 아버지의 인생을 돌이켜보면서 ‘과연 아버지는 스스로가 납득할 만한 인생을 사셨을까’라는 질문을 해보게 됐다. 그 생각을 이어가다가 이 이야기가 시작됐다. 영화 속에 등장하는 인물들은 어린 시절 꿈꾸던 미래의 자신의 모습대로 어른이 되지 못했다. 그런 그들이 어른이 된 현재의 시간을 어떻게 받아들이고 마주하고 있는지를 얘기해보고 싶었다. 그러면서 ‘모두가 되고 싶었던 어른이 되는 건 아니다’라는 문장이 떠올랐다.
-료타는 자신에 대한 아버지의 애정을 뒤늦게 깨닫는다. 동시에 자신이 아버지와 했던 일들을 아들 싱고와 함께해보며 아들의 마음을 헤아려가기도 한다.
=아버지가 돌아가신 지 어느덧 15년이 됐다. 그사이 아버지에 대한 생각이 많이 바뀌었다. 살아 계실 땐 오히려 나랑은 전혀 상관없는 사람이라고 생각했는데. 아버지가 돌아가시고 나서야 아버지에 대해 이
[스페셜] 되고 싶었던 어른이 되지 못한 이들의 이야기 - 고레에다 히로카즈 감독 인터뷰
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고레에다 히로카즈 감독의 또 한편의 가족 드라마 <태풍이 지나가고>가 7월27일 개봉했다. 어린 시절, 고레에다 히로카즈 감독은 궁금했다. ‘태풍이 지나간 뒤의 아파트 단지의 풀밭은 어째서 그토록 아름다운가. 변한 건 아무것도 없는데 태풍이 몰아친 간밤에 마치 뭔가 크게 달라진 것처럼 느껴지는 이유는 무엇일까.’ 감독은 이 신기하고 이상한 변화, 혹은 변화라고 느끼게 되는 그 감정에 대해서 그려보고 싶다고 했다. <태풍이 지나가고>는 그의 바람이 고스란히 담긴 한폭의 풍경화와도 같다. 곧 태풍이 몰아칠 거라는 뉴스가 전해지던 어느 여름날, 철부지 아들이자 아버지인 료타(아베 히로시)와 그의 가족이 겪어가는 한때의 이야기다. 고레에다 히로카즈 감독 세계의 원형이라 해도 좋을 부모와 자식간의 관계로 돌아보는 ‘살아간다’는 일에 대한 성찰이기도 하다. 그것은 거창하고 복잡한 게 아니다. “인생은 단순해”라는 영화 속 대사처럼 일상이란 원래 그렇게 지난한 것들의 연속이
[스페셜] 부재와 상실 뒤의 풍경을 바라보는 고레에다 히로카즈 감독의 사려깊은 시선 <태풍이 지나가고>
