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“심장이 뜨거운 여자.” 임선우 배우는 유진을 이렇게 정의했다. 영화의 배경이 1999년에서 2000년으로 바뀌고 도영(노재원)의 공금횡령금을 대신 채운 영미(이유영)가 형을 살고 나왔을 때, 유진은 자신을 도영의 아내라 소개하며 영미 앞에 모습을 드러낸다. “과거 사진에서 알 수 있듯 유진은 본래부터 얌전히 살던 사람은 아니다. (웃음) 20살 넘어 근육병으로 장애를 갖게 됐지만, 필요할 땐 자기주장을 확실히 한다. 남편의 내연녀라 여긴 영미를 숨어서 살피는 대신 자신을 당당히 내보이며 대면하는, 용감하고 멋진 여자다.” <세기말의 사랑> 촬영에 들어가기 전 임선우에게 주어진 시간은 한달 남짓이었다. 몸을 움직일 수 없는 유진은 모든 것을 말로 처리해야 했고 그만큼 대사량도 많았다. “연기해본 적 없는 유형의 인물이지만 배우로서 욕심이 났다. 처음 시나리오를 읽었을 때 딱딱한 겉껍질로 자신을 둘러싸고 있다 시간이 갈수록 맨얼굴을 드러내는 것처럼 느껴졌다. 이러한 감정 변
[인터뷰] 벽을 허물다, <세기말의 사랑> 임선우
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짝사랑에 눈이 멀어 횡령에 가담한 경리 김 과장. 세기말처럼 우울하고 칙칙한 여자. 영미를 가리키는 영화 속 말들은 채도 낮은 그림자처럼 쓸쓸하게 비친다. 하지만 영미의 진짜 성격이 드러나기 시작한 건 착해빠진 영미가 교도소에 다녀온 뒤부터다. 흑백에서 풀컬러로 화면이 전환되는 순간, 선명한 분홍색 운동화와 난색 계열의 스웨터는 관객이 이제부터 영미를 종잡을 수 없을 거라는 일종의 신호탄 역할을 한다. 사실 배우 이유영이 시나리오에서 영미를 처음 만났을 때 삶에 애면글면하는 그의 모습을 단번에 공감했던 건 아니다. “짝사랑한 남자의 와이프를 만나는데 자존심 없어 보이는 바보 같은 모습이 한편으로 답답했다. 그런데 영미는 자신이 무엇을 돌파해야 하는지 정확히 아는 인물이다.”
영미에게 삶은 가혹하다. 직계가족이 아닌 큰어머니를 그의 자식을 대신해 돌봄노동하기도 하고, 짝사랑하는 구도영 기사(노재원)의 미수금을 대리 수납하기 위해 아르바이트를 늘리기도 한다. 누구도 자신을 지켜주지
[인터뷰] 서로의 마음에 기대기, <세기말의 사랑> 이유영
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한 남자를 사랑하는 두 여자. 평범해 보이는 삼각관계가 예상치 못한 궤도로 나아가게 된 건 남자가 회사 자금을 빼돌리면서다. <69세>에서 노인 성폭력 사건을 다뤘던 임선애 감독이 신작 <세기말의 사랑>으로 돌아왔다. 두 번째 장편 연출작에서 그는 1999년, 세기말을 배경으로 다양한 형태의 애정을 표하는 이들에게 주목한다. 도영(노재원)이 공금횡령을 한 건 아내 유진(임선우)를 위함이었고 그 사실을 모른 채 도영을 짝사랑하던 영미(이유영)는 대신 횡령금을 채워둔다. 사랑을 위해 우리는 무엇을, 어디까지 희생할 수 있을까. 본격적인 서사는 교도소에서 죗값을 치르고 나온 영미가 유진과 동거를 하면서 펼쳐진다. 세 사람이 서로의 결핍을 보듬는 과정을 그려낸 배우 이유영, 임선우, 노재원에게 대화를 청했다.
*이어지는 기사에서 <세기말의 사랑> 배우 이유영, 임선우, 노재원 인터뷰가 계속됩니다.
[기획] <세기말의 사랑> 배우 이유영, 임선우, 노재원을 만나다, 사랑인가요?
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귀여운 곰돌이 리락쿠라로 유명한 산엑스(San-X)에서 제작한 스미코구라시는 추위를 싫어하는 북극곰 시로쿠마, 자신의 정체성을 의심하는 펭귄?, 누군가 먹어주는 게 꿈인 돈가스 끄트머리 돈카츠, 수줍음 많은 고양이 네코, 공룡이지만 도마뱀인 척하는 도카게 등으로 구성돼 있다. 전면에 나서 문제를 해결해가는 주인공이 되기보다 구석에 웅크려 있기를 좋아하는 소극적인 면모는 알 수 없는 위로를 전하며 따뜻한 기운을 남긴다. 스미코구라시의 첫 극장판인 <스미코구라시: 튀어나오는 그림책과 비밀의 아이>는 명작 동화 속에 들어간 스미코들의 순수하고 무해한 여정을 그려낸다. <성냥팔이 소녀> <빨간 모자> <복숭아 동자> <인어공주> <아라비안 나이트> 등의 주인공으로 변신한 친구들은 귀엽고 앙증맞은 모습으로 러닝타임 내내 사랑 넘치는 비명을 지르게 만든다. 무엇보다 구석을 좋아하는 스미코들의 소심한 성향이 동화 속 세상을 만나면서
[리뷰] ‘스미코구라시: 튀어나오는 그림책과 비밀의 아이’, 전국의 삼천만 I를 위한 귀여운 반란
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작가 마리안(쥘리에트 비노슈)에게 활자화된 경제위기는 더이상 와닿지 않는다. 그녀는 고용불안의 현실을 체험하고자 프랑스 북부의 항구도시 캉에서 일용직 청소부 생활을 시작한다. 이혼한 가정주부로 위장한 채 노동자들을 관찰하는 사이 크리스텔(헬렌 랑베르)과 마릴루(레아 카르네)라는 두 친구가 생긴다. 마리안은 그녀들과의 순박한 우정이 기쁘면서도 정체가 발각될지 모른다는 불안감에 휩싸인다. 프랑스 기자 플로랑스 오브나의 르포르타주 <위스트리앙 부두>를 각색한 <두 세계 사이에서>는 원작에서 두드러지지 않은 잠입 저널리즘의 도덕적 고민에 집중한다. 일용직 노동자들의 삶 속에 잠시 머무르는 유명 작가의 모습은 주변인들에게 사치스러운 위선과 동정으로 다가온다. 마리안 자신도 이 혐의에서 벗어나지 못한다. 그녀는 크리스텔이 제공하는 인간적인 유대와 취재원과 일정한 거리를 유지해야 하는 불안정성 사이에서 번민한다. 크리스텔 역의 헬렌 랑베르 등 실제 노동자인 비전문 배우들의
[리뷰] ‘두 세계 사이에서’, ‘체험한다’와 ‘살아낸다’ 사이의 그 확실한 벽
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한 청년이 런던 땅에 발을 내딛는다. 지난 7년간 7대양을 떠돌며 세상을 배운 그의 이름은 윌리 웡카(티모테 샬라메)다. 윌리의 수중엔 은화 몇닢뿐이지만 그의 모자 속엔 값을 매길 수 없는 가득한 꿈이 있고 머릿속엔 런던 시민들을 사로잡을 초콜릿 제조술과 마술 실력이 있다. 누가 보아도 세상 물정 모르는 뜨내기인 윌리는 블리처(톰 데이비스)의 꼬임에 넘어가 가난한 여행객을 등쳐 먹는 스크러빗 부인(올리비아 콜먼)의 여관에 갇힌다. 하지만 윌리는 달콤백화점에 초콜릿 가게를 내겠다는 창업 계획을 포기할 수 없다. 윌리는 여관의 고아 소녀 누들(칼라 레인)과 함께 런던의 초콜릿 연합에 맞서며 자신의 꿈을 이루기 위해 박차를 가한다.
<웡카>는 동화 작가 로알드 달의 1964년작 소설과 이를 바탕으로 한 두편의 영화로 인기 캐릭터가 된 초콜릿 공장주 ‘윌리 웡카’에 관한 프리퀄이다. 이전의 두 영화와 전혀 다른 무드를 취하지만, 영화에 가득한 뮤지컬 넘버와 캐릭터의 의상 컨셉
[리뷰] ‘웡카’, 낯선 문화를 향한 관용과 연대를 녹인 폴 킹의 달콤한 낙관
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산장에서 발생한 한 남자의 의문의 추락사. 의학적 사인은 두부외상, 법의학적 사인은 사고 혹은 의도가 개입된 사망. 같은 시간 유일하게 산장에 있던 아내 산드라(잔드라 휠러)가 유력한 용의자로 지목된다. 최초 목격자인 아들 다니엘(밀로 마차도 그라네르)은 시각장애로 인해 신빙성 있는 증언을 하지 못한다. 추락의 원인을 되짚는 법정에서 단란해 보이던 가정의 속사정이 낱낱이 해부된다. 법정물과 가족 드라마를 절묘하게 엮어낸 <추락의 해부>는 가족이라는 세계의 지엽적 단면이 폭력적인 의심의 체계 아래 곡해되는 과정을 그린다. 확실한 물증이 없어 정황증거만으로 판단하는 법정은 다니엘에게 두개의 가정적 진실을 제시한다. 반면 애증의 얼굴을 오가는 잔드라 휠러의 열연은 단단히 유착된 가족관계의 진실은 간단히 분리해낼 수 없는 것임을 역설한다. 재판이 진행될수록 인격 살인의 대상이 되는 산드라와 무너지는 가족공동체는 무자비한 의심과 이분법적 사고로 점철된 사회의 현주소를 곱씹어보게 한
[리뷰] ‘추락의 해부’, 정교한 카메라를 따라 관계의 피부를 절개하는 의심의 칼날
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1960년대 이탈리아 밀라노에 유럽에서 가장 높은 빌딩이 세워지고 있을 무렵, 한 동굴 탐험대가 남부 칼라브리아 내륙의 한 시골 마을로 향한다. 이들은 대략 700m에 달하는 끝이 보이지 않는 비푸르토 동굴을 탐험하기 위해 온 것이다. 조용했던 마을은 이들 덕분에 떠들썩해지기 시작한다. 탐험대는 동굴 입구에 베이스캠프를 꾸리고 탐험을 시작한다. 이 모습을 산 중턱에서 양치기 노인이 내려다본다.<일 부코>는 1961년 유럽에서 가장 깊은 동굴인 비푸르토 동굴을 탐험한 동굴학자들의 모습을 재현한 영화다. 감독의 전작인 <네번>(2010)처럼 이 영화에도 대사가 없다. 자막에 신경 쓸 필요가 없이 오직 이미지로 관객에게 다가가는 시적인 영화다. <네번>에서 삶과 죽음의 순환을 인간과 동물과 자연을 병치시킴으로써 형상화했다면, <일 부코>는 인간의 표면과 자연의 내부를 겹침으로써 관객에게 심상을 만드는 시도를 한다. 영화 후반부에 죽음이 임박한 노
[리뷰] ‘일 부코’, 인간의 표면과 자연의 내부를 겹쳐 세계를 그리다
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<비욘드 유토피아>는 탈북민의 생생한 증언을 바탕으로 북한의 인권 실태를 폭로한 다큐멘터리다. 지금까지 낙원이라 믿고 자란 자국을 스스로 탈출한 사람들의 이야기를 깊이 있게 기록했다. 어려서부터 서양 국가들은 야만적이고 참혹하다는 메시지의 동화와 동요를 접하고 자란 아이들은 오로지 북한만이 유일한 천국이라는 믿음을 가지고 살아간다. 하지만 북한에서 자행되는 아슬아슬한 정치 싸움과 지속되는 국민적 빈곤, 생존하기 위한 일상적 사투 등으로부터 벗어나고자 목숨을 내어놓고 강을 건넌다. 탈북을 시도하다 붙잡히면 극악한 고문이 이어지고, 북에 남은 가족들은 하릴없이 추방되고 만다. 탈북의 희망인 브로커들은 오직 돈으로만 움직이며, 그사이에 어린 여성들은 인신매매 위험에 노출되기도 한다. 그 안에 머물러 살아가는 것만큼 벗어나는 것에도 엄청난 용기와 감내가 필요하다.
어릴 적 거쳐온 탈북 과정을 낱낱이 고백하는 이현서씨, 북한에 두고온 아들의 월남을 오랫동안 기다려온 이소연씨,
[리뷰] ‘비욘드 유토피아’, 지나치게 연민하지도, 지나치게 관여하지도
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지난해 여름 별세한 시대의 아이콘 제인 버킨의 삶과 업을 다루는 영화라는 점에서 <아녜스 V에 의한 제인 B>를 선택한 이에겐 예상과 다소 다른 결과물이 펼쳐질지도 모른다. 제인 버킨의 생과 커리어를 연대기적으로 훑는 아카이브 푸티지나 관계자들의 정갈한 인터뷰 등은 찾아보기 어렵기 때문이다. 그러나 이 영화의 진정한 매력은 영화가 상투적이고 심심한 전기 다큐멘터리가 아니라, 감독의 무궁한 상상력과 배우의 무진한 가능성이 만난 협업의 결과인 동시에, 다큐멘터리와 픽션의 경계에 서 있는 독특한 자화상이라는 점에서 비롯된다.“촬영되는 거, 본인에 대해 말하는 거 좋아해요?” “그렇기도 하고 아니기도 해요.” (중략) “이 영화 할 거죠?” “네, 대장님!” 60대의 감독 아녜스 바르다는 40살 생일을 앞두고 알 수 없는 불안감에 휩싸인 배우 제인 버킨을 마주한다. 그들은 진솔한 담소를 나누고, 바르다의 질문과 버킨의 대답이 이어진다. 버킨의 삶, 감정, 기억, 생각이 그의 독백
[리뷰] ‘아녜스 V에 의한 제인 B’, 아녜스와 제인, 두 예술가의 삶과 영화에 대한 사유
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“이준석은 언제 박차고 나갈까요?” 2023년 3월 국민의힘 전당대회 즈음 한 방송국 PD가 물었다. “아직은 있고 싶은가 봅니다. 영부인 못 건드리는 거 보세요.” 2022년 9월 도이치모터스 사건의 진상이 더 불거지면서 윤석열 대통령이 대선 때 한 발언이 반박되었지만, 이준석 전 국민의힘 대표는 ‘김건희’라는 금은 차마 밟지 못하고 시간을 보냈다(“저도 살려고 그랬던 겁니다”?). 탈당을 예고할 무렵에야 야권의 김건희 특검론에 편승했는데, 그때도 한동훈 당시 법무부 장관에게 “천사”, “군계일학” 따위의 상찬을 늘어놨다. 고발사주 사건 전날 손준성 검사에게 보낸 이미지 60여장이 뭔지 설명하지 못하는 천사, 딸이 부당하게 만든 스펙을 대입에서 쓰지 않았음을 입증 못하는 일학이라. 그는 대통령을 바로잡으려다 밀려난 게 아니다. 자신이 밀려나는 수준에 맞춰 명분을 갖다붙였을 뿐. 그들이 한창 쿵짝이 잘 맞던 시절은 어땠나. “구조적 성차별은 없다”(윤석열), “20대 여성은 어젠다
[디스토피아로부터] 내부자들
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민환기 감독의 다큐멘터리 <길위에 김대중>은 정치인 김대중에 대한 우리의 관점이 진부하다는 걸 일깨운다. 김대중을 존경하든, 김대중을 증오하든 오랫동안 콘크리트처럼 단단하게 굳어진 정치인 김대중에 대한 입장은 선입견으로 단단해져 불변의 것이 되었다. 어느 편이건 초기에 형성된 관점은 새롭게 다듬어지지 않고 굳어졌다. 존경도, 증오도 다 진부하다. <길위에 김대중>은 다큐멘터리의 근본을 지킴으로써 우리를 진부함에서 구해낸다. 그에 관한 팩트에서, 팩트의 구성에서 차곡차곡 그의 일대기를 역사에 포개놓는다. 팩트의 구성 다음엔 주석과 해석이 남는다. 그 단계에서 굳은 관점을 해체하고 새롭게 보기 위해 우리는 다시 거슬러 올라갈 필요가 있다. <길위에 김대중>은 그 나침반이다.
민주주의자로서의 일관된 자기 정체성
김대중의 삶을 어린 시절부터 연대기순으로 전개하는 이 다큐멘터리에는 그를 알지 못하는 관객에게 기초적인 전기적 정보를 제공하는 한편 그에 관
[비평] 부재했지만 존재할 가치를 위해, <길위에 김대중>
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<위시>는 디즈니 100주년을 기념하는 작품이다. 여기서 ‘100’이라는 숫자는 월트 디즈니의 탄생 100주년은 아니다(그는 1901년에 태어났다). 디즈니의 첫 애니메이션 커리어 100주년도 아니다(1919년에 처음 애니메이션을 시작했다). 그가 세운 첫 스튜디오도 아니다(‘래프 오 그램’(Laugh-O-Gram)이라는 스튜디오를 1921년에 만들었다). 미키마우스가 탄생한 100주년도 아니다(미키마우스는 1928년에 세상에 나왔다). 그렇다고 첫 장편애니메이션의 100주년도 아니다(<백설공주와 일곱 난쟁이>는 1937년에 개봉했다). 그러니까 ‘디즈니’라는 말로 떠올릴 수 있는 선택지가 여럿 있는데, 인간 월트 디즈니와 그의 분신인 미키마우스, 그리고 디즈니 애니메이션은 100주년의 당사자가 아니다. 100주년은 ‘월트디즈니 컴퍼니’ 설립 100주년에 해당한다(처음부터 그 이름은 아니었다. 1923년부터 1926년까지는 ‘디즈니 브러더스 스튜디오’였고, 19
[비평] 디즈니가 디즈니했습니다만?, <위시>
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최근까지 나는 켄 로치의 정공법이 시효를 다했다고 생각해왔다. 물론 일찌감치 등을 돌린 이들에 비하면 훨씬 늦은 축에 속할 테지만 말이다. <나, 다니엘 블레이크>의 웅변까지도 감동적으로 받아들였지만 <미안해요, 리키>에서 리얼리티를 위해 인물을 사지로 몰아가는 방식은 도저히 받아들이기 힘들었다. 영화를 보면서 화가 치밀어 오른 이유가 영화 속 현실이 아니라 영화에 있다는 사실은, ‘확신 불능증’을 앓고 있는 나조차도 확신할 수 있었다. <나의 올드 오크>를 마주하기 직전의 심정은 기대감보다는 의무감에 가까웠다. 이미 무언가가 끝났지만, 외면할 수 없었다. 이런 마음에 응답하듯 영화 역시 무언가가 끝난 상태에서 다시 시작하고 있었다. 켄 로치의 마지막 작품이라고 공언된 영화는 끝을 형상화하는 대신 이미 끝난 후에 무언가를 다시 시작하는 방법을 찾아간다.
통제되지 않는 것, <나의 올드 오크>
이미 끝난 이야기를 다시 시작하는 제스처는
[비평] 영화를 멈춰 세운 두개의 동작, <노 베어스>와 <나의 올드 오크>
