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-최근 대전시는 영상 콘텐츠 제작 지원사업을 활성화하는 여러 방안을 모색 중이다. 특히 특수촬영 스튜디오와 제반 기술 개발 등에 많은 투자를 하는 이유는 무엇인가.
=사실 스튜디오 시설 자체만으로는 그 경쟁력이 오래가지 못한다. 특히 시설 규모 면에서는 중국을 이길 방법이 없다. 그래서 대전시는 시설과 장비 위에 대덕연구단지의 기술력으로 재무장하기 위한 기술사업화 지원사업을 2012년부터 시행해왔다. ‘리모트컨트롤 수중촬영 장비’나 ‘언리얼 게임엔진 기반의 프리비즈 시스템’을 구축한 개발사 등을 육성했듯이 콘텐츠 산업의 독보적인 기술력 확보가 강력한 경쟁력이 될 수 있을 것이라 생각한다.
-스튜디오 큐브의 출발은 드라마 촬영 중심 지원사업이었다. 이제는 영화 촬영 중심으로 지원사업을 추진해가고 있는데 대전시가 영화산업에 주목하는 이유는.
=2005년부터 운영하고 있는 대전영화촬영스튜디오의 활용이나 지역 로케이션 촬영을 보면, 드라마보다 영화 촬영이 훨씬 많았다. 스튜디오
[대전②] 박찬종 대전정보문화산업진흥원 원장, "특수영상 제작 가능한 융·복합 시설 만들 것"
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대전시가 영화의 도시로 거듭나기 위한 준비를 하기 시작한 것은 몇년 전으로 거슬러 올라간다. 대전정보문화산업진흥원 산하 대전영상위원회(이하 대전영상위)에서는 2005년부터 대전영화촬영스튜디오라는 이름으로 두개의 촬영 스튜디오를 운영하고 있었고 2013년에는 스턴트 액션과 수중촬영 등이 가능한 시설을 중심으로 액션영상센터를 신설해 운영 중이었다. 그런데 이곳 대전영상위 스튜디오 바로 옆에 2017년 9월 개관해 운영 중인 한국콘텐츠진흥원 산하의 대규모 영상 제작 스튜디오인 스튜디오 큐브가 들어서면서 분위기가 급반전되었다. 특수촬영 중심으로 운영되던 액션영상센터와 스튜디오 큐브는 타 지역 영상위나 스튜디오에서는 지원하지 않는 차별화된 서비스를 구상하기 시작했다. 뒤이어 자세하게 설명할 수중촬영 하우징 기술 개발, 스마트 와이어 기술 개발 등이 대전영상위가 주관하는 여러 제작 지원사업의 성과로 최근 주목받고 있는 사업이다. 스튜디오 큐브 역시 출범 당시에는 잡음도 많았고 꽤 오랫동안 지지
[대전①] 과학도시라는 지역적 특성을 살려 첨단영상산업의 메카를 꿈꾼다
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몇달 전부터 대전에서 영화를 찍는다는 팀들의 소식이 들려왔다. 대전 엑스포과학단지 부지에 위치한 대전정보문화산업진흥원 액션영상센터와 한국콘텐츠진흥원에서 운영하는 드라마타운을 리뉴얼한 스튜디오 큐브의 개관 이후 여러 영상 콘텐츠 제작팀이 대전으로 향하고 있는 것이다. 지난 11월 말, <씨네21>이 직접 찾은 스튜디오에서는 이미 김지운 감독의 <인랑>이 촬영 중이었다. 아쉽게 그 현장을 들여다볼 수는 없었지만 주변 시설을 비롯해 현재 대전시가 지원사업으로 추진 중인 다양한 영상 기술 개발 현황을 확인할 수 있었다. 제작비와 아이디어 등 여러 현실적인 이유로 시나리오나 콘티상에서 아쉽게 사라져야 했던 장면을 위해 과학의 도시 대전이 나선 이유를 지금부터 차근차근 들여다보자.
대전정보문화산업진흥원 액션영상센터 & 스튜디오 큐브 ① ~ ④
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<세 번째 살인>은 일견 고레에다 히로카즈의 작품 세계에서 돌출된 돌연변이처럼 보인다. <진짜로 일어날지도 몰라 기적>(2011), <그렇게 아버지가 된다>(2013), <바닷마을 다이어리>(2015) 등으로 이어지는 최근작이 대체로 가족을 다룬 홈드라마였고, 법정 스릴러에 도전한 것은 이번이 처음이기 때문이다. 하지만 <태풍이 지나가고>(2016) 이후 당분간 가족영화를 만들지 않겠다고 밝힌 그에게 <세 번째 살인>은 새로운 챕터의 시작을 알리는 작품이면서, 세상을 그리 낙관적으로만 보지 않던 초창기의 태도를 상기시킨다. 가족에 대한 이야기도 여전히 중요한 축을 담당한다. <세 번째 살인>이 고레에다 히로카즈의 필모그래미에서 갖는 의미를 짚어보았다.
<세 번째 살인>은 아주 명료하게 시작해 지극히 모호하게 끝나는 작품이다. 오프닝에서 누군가의 후두부를 스패너로 수차례 내려친 후 시체를 태우는
가족 밖으로 나간 고레에다 히로카즈 감독의 <세 번째 살인>이 던지는 질문
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“미국 해병대가 최고입니까. 그런데 왜 구경만 한답니까.” 중국 특수부대 ‘전랑’ 출신인 렁펑(우징)은 “미국 해병대가 있어 안전한 미국 대사관으로 가자”는 미국인 의사 레이첼의 말을 반박한다. 빈정 상한 레이첼이 미국 대사관에 전화를 걸자 “지금은 연결할 수 없다”는 안내 멘트가 흘러나온다. 렁펑은 “외국 군함들은 전부 철수했다. 그중에 미군 함대도 있었다”고 레이첼에게 알려주고, 레이첼은 자신을 버리고 떠난 조국에 실망한다. 렁펑의 말에는 자국민을 내버려두고 철수한 미국과 달리 자국민을 대피시키기 위해 한달음에 달려온 중국 함대에 대한 자부심이 담겼다.
중국 박스오피스 역대 흥행 1위를 갈아치우다
올해 중국 극장가에 애국심을 뜨겁게 지핀 주인공은 <특수부대 전랑2>(감독 우징, 이하 <전랑2>)다. 이 영화는 건군 90주년 기념일(8월 1일)을 앞둔 지난 7월 27일 개봉해 13일 만에 35억위안을 벌어들이며 <미인어>(감독 주성치, 201
중국판 애국영화 <특수부대 전랑2>의 엄청난 흥행이 말하는 것
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당연한 말이지만 영화는 집단 창작의 결과물이다. 감독이 설정한 방향 외에도 스탭의 개성이 영화의 요소요소에 영감을 부여한다. 애니메이션의 경우 연출의 구성만큼 중요한 게 바로 작화다. 제작 스튜디오의 특색이 더욱 도드라지는 이유가 여기에 있다. 누가 그렸나, 어떤 이들의 그림체인가 하는 점이 곧 작품의 정체성이 된다. 오랜 시간 일본 극장애니메이션의 대표주자는 스튜디오 지브리였다. 미야자키 하야오라는 거장을 탄생시킨 지브리 애니메이션은 대체 불가능한 것처럼 보였다. 이는 생태주의와 애니미즘, 아나키스트적인 사고, 하늘에 대한 동경 등 미야자키 하야오의 특징으로 연결되는 스타일이기도 했다. 하지만 우리는 알고 있다. 스튜디오 지브리라는 형태가 프로듀서 니시무라 요시아키의 비전 없이는 성립하지 않는다는 것을. 지브리의 색감은 야스다 미치요의 손길을 거치지 않은 것이 없고, 살아 있는 듯한 물의 곡선은 지브리가 배출해온 숱한 작화감독들의 솜씨다. 스튜디오 지브리가 해체된 뒤에도 그 유산을
<메리와 마녀의 꽃> 지브리 그 이후를 말하다
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중국와 일본은 그야말로 가깝고도 먼 나라다. 극장가에서 중국영화나 일본 애니메이션을 접하는 건 그리 어렵지 않다. 하지만 흥행으로 이어지는 사례가 드물고, 구체적으로 현재 중국영화가 어디까지 발전했는지, 일본 애니메이션이 어떤 곤란을 겪고 있는지 알 길이 없다. 이에 <씨네21>에서는 요네바야시 히로마사 감독의 일본 애니메이션 <메리와 마녀의 꽃>과 우징 감독의 <특수부대 전랑2>의 국내 개봉을 계기로 일본과 중국 영화산업의 현재에 대해 짚어보려 한다. <메리와 마녀의 꽃>은 스튜디오 지브리 출신 스탭들이 새롭게 스튜디오 포녹을 설립해 제작한 창립작으로 지브리 이후 일본 애니메이션의 흐름을 읽을 수 있다. <특수부대 전랑2>는 중국 역대 박스오피스 1위에 오른 기념비적인 흥행작으로 중국 영화산업이 어디까지 와 있는지 살필 수 있을 것이다. 여기 개별 영화의 완성도나 재미를 넘어 영화산업 내에서 어떤 성취를 이뤘고 어떤 지표가 될
지브리 이후의 일본 애니메이션의 미래, 중국 애국영화로 짚어보는 중국 영화산업의 미래
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미국 아방가르드 영화의 역사를 개척한 요나스 메카스 감독의 전시, <요나스 메카스: 찰나, 힐긋, 돌아보다>가 11월 8일부터 2018년 3월 4일까지 국립현대미술관에서 열린다. 14편의 작품을 통해 요나스 메카스의 예술 세계를 조망하는 아시아 최초 전시로, 11월 22일부터 국립현대미술관 서울관 MFU영화관에서 요나스 메카스 회고전도 진행된다. 48편의 장·단편 영화를 상영해 요나스 메카스에 관심 있는 이들에게는 놓칠 수 없는 기회다. 이에 영화미디어학자 김지훈 중앙대 교수가 요나스 메카스의 세계를 안내할 짧은 가이드를 보내왔다. 여기 요나스 메카스가 남긴 영화예술의 유산과 영화에 대한 비전을 전한다.
1922년 리투아니아에서 태어난 요나스 메카스는 한 인터뷰에서 “6살 때 시의 여신이 내 몸에 들어온 이후로 시인이 되었다”고 말했을 만큼 일찍부터 시와 글쓰기에 빠져든 작가였다. 제2차 세계대전은 청년 메카스의 삶을 결정적으로 전환시켰고 그의 정체성을 규정했다. 피
국립현대미술관에서 열리는 <요나스 메카스: 찰나, 힐긋, 돌아보다>전
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올해 서울프라이드영화제에서 관객의 지지를 받은 한국의 퀴어영화는 김헌 감독의 <열대야>였다. 김헌 감독은 전작 <어느 여름날 밤에>를 통해 과감한 섹스 신과 노출 신의 퀴어영화를 선보인 바 있다. <열대야> <어느 여름날 밤에>에 조감독과 동시녹음 스탭으로 이름을 올린 장기원 감독 역시 동성애를 혐오하는 호모포비아를 주인공으로 한 ‘불량 퀴어영화’ <애정소년 잔혹사>를 만들었다. 이들은 모두 이상우필름 소속의 젊은 감독들이다. 우리에게 금기란 없다는 듯 세상의 다양한 사랑과 인간 군상을 스크린으로 불러낸 이들을 만나, 한국에서 퀴어영화 만들기의 고충과 의미에 대해 얘기를 나눴다.
-<열대야>는 서울프라이드영화제에서 관객상인 핑크머니상을 받았고, <애정소년 잔혹사>는 루마니아에서 열리는 게이필름나이츠국제영화제 경쟁부문에 초청받았다. 조금 늦었지만 축하 인사를 전한다.
=김헌_ 기쁘게도 첫 영화 <어
한국에서 퀴어영화를 만든다는 것
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고요하지만 강렬한 열정의 영화가 찾아온다. 11월 30일 개봉한 <우리는 같은 꿈을 꾼다>는 올해 베를린국제영화제에서 황금곰상을 수상한 작품이다. 헝가리 감독 일디코 에네디는 이 작품을 통해 18년간의 공백을 깨고 화려한 귀환을 알렸다. 같은 꿈을 꾸는 두 남녀가 결핍을 극복하고 소통 가능성을 타진한다는 줄거리가 다소 평범하다고 생각할 수도 있지만 섣부른 판단은 금물이다. 이 영화의 특별함에 대한 이야기를 시작한다.
우리는 꿈을 꾼다. 그리고 그 꿈은 수많은 현실의 편린과 이성의 영역으로는 설명할 수 없는 불가해한 요소들로 이루어져 있다. 정신분석학자 칼 구스타프 융은 이러한 꿈의 속성으로부터 개인과 세계의 연결을, 무의식과 의식의 통합을 읽었다. 그에 따르면 의식과 분별의 세계에 살아가는 우리는 꿈을 통해 원형의 세계와 만날 수 있다. 더불어 그는 꿈속에서 인간은 완전한 자기 자신이 되며, 문명화된 세계에서 손상된 삶을 온전히 복원할 수 있다고 믿었다. 헝가리 감독
<우리는 같은 꿈을 꾼다> 헝가리 감독 일디코 에네디의 화려한 귀환
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피터 잭슨 감독의 <반지의 제왕> 시리즈를 제작해 크게 성공한 제작사 뉴라인 시네마는 실은 블록버스터영화 제작보다는 다른 제작사에서 쉽게 도전하기 어려워하는 저예산 공포영화 제작에 더 관심을 쏟아왔다. 희대의 살인마 프레디 크루거를 탄생시킨 <나이트메어> 시리즈, 샘 레이미 감독의 <이블데드>(1981), <크리터스> 시리즈 등이 바로 뉴라인 시네마의 손을 거쳐 탄생한 공포영화들이다. 2000년대를 거치면서 여러 실패를 거듭하며 잠시 주춤했던 뉴라인 시네마가 최근 제임스 완 감독과 손잡으면서 다시 예전의 공포 전문 제작사로서의 명성을 회복해가고 있다. 뉴라인 시네마가 지금껏 지향해 온 장르영화 제작의 큰 그림과 최근의 공포영화의 흐름이 어떻게 만나 성공 신화를 써내려가는지 살펴봤다.
‘무서운 장면 없이 무서운 영화’라는 <컨저링>(2013)의 홍보 카피가 화제가 된 적이 있다. 관객을 깜짝 놀라게 하고는 이야기를 흐지부지 끝
[호러 하우스②] <컨저링>·<애나벨> 시리즈·<그것> 성공시킨 ‘뉴라인 시네마’
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블룸하우스 프로덕션의 성장은 다른 산업 분야에서도 <머니볼>(2011)과 같은 성공 사례로 주목할 만하다. 최초 제작비의 12890배 이상을 벌어들인 <파라노말 액티비티>(2007)를 시작으로 ‘가성비’ 높은 호러영화를 주로 만들어왔고, 업계에서 안정적으로 자리잡은 후 제작한 <겟 아웃>(2017)은 흥행뿐만 아니라 아카데미 수상작만큼의 비평적 성과를 얻었다. 작은 회사가 공룡들과의 싸움에서 살아남기 위해서는 적은 예산을 효율적으로 운용할 수 있는 근사한 철학이 있어야 한다. 그들이 어떻게 공룡들과의 싸움에서 살아남을 수 있었는지, 그리고 무서운 성장세를 보여준 블룸하우스 프로덕션이 모색하는 그 다음의 전략은 무엇인지 살펴보았다.
한국 극장가에서 해외 영화가 흥행하기 위해서는 블록버스터이거나 블룸하우스 프로덕션의 작품이어야 한다. 이 말은 과장이 아니다. 2017년 한국 박스오피스 흥행 성적 50위권 안에 든 작품 중 스타 배우를 내세우지 않은
[호러 하우스①] <23 아이덴티티> <겟 아웃> <해피 데스데이>의 블룸하우스 프로덕션
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2017년 할리우드의 주요한 흥행 키워드 중 하나는 ‘공포영화’다. M. 나이트 샤말란 감독의 귀환을 알린 <23 아이덴티티>와 조던 필 감독의 <겟 아웃>이 여름 시장이 아닌 비수기 극장가에서 흥행했고 뒤이어 제임스 완 감독이 만들어낸 ‘컨저링 유니버스’ 중 한편인 <애나벨: 인형의 주인>, 그리고 스티븐 킹 소설을 원작으로 관객과 평단 모두의 찬사를 받은 <그것> 등의 공포영화가 줄줄이 성공을 거두면서, 비교적 적은 예산으로 고수익을 올리는 이른바 가성비갑 영화 시장을 주목하게 만들었다. 비단 올해뿐만이 아니라 기존 블록버스터 흥행 공식을 깨고 새롭게 시장을 구축해온 공포영화들은 특정 제작사와 감독 중심으로 거대 자본이 쉽게 도전할 수 없는 영역을 공략하고 있다. 특히 이번호에서 <씨네21>이 주목한 공포영화 전문 제작사 뉴라인 시네마와 블룸하우스 프로덕션은 전세계 공포영화 시장의 흐름을 주도하고 흥행 공식을 새로 정립해나가는
호러 하우스 라이벌전 ① ~ ②
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“올해 최고의 상업영화다.” 연말을 앞두고 많은 영화인들 입에서 <범죄도시>가 오르내리고 있다. 이 영화는 11월 22일 현재까지 약 680만명의 관객을 불러모으며 흥행에 성공했고, 얼마 전에는 한국영화평론가협회상 신인감독상을 수상했다. 흥행과 비평 두 마리 토끼를 모두 잡은 이 영화는 강윤성 감독의 상업영화 데뷔작이다. 그의 나이 47살. 30살부터 감독 데뷔를 준비했다니 <범죄도시>를 내놓기까지 무려 17년이 걸린 셈이다. 제작사 비에이엔터테인먼트 사무실에서 강윤성 감독을 만나 길고 긴 데뷔기를 들었다.
희끗희끗한 머리카락과 눈주름을 보고 영화 몇편 찍은 중견감독인 줄 알았다. “처음 만났을 때 입봉 감독처럼 안 보였다. (웃음)”는 배우 윤계상의 귀띔이 무슨 뜻으로 한 얘기인지 알 듯하다. 영화 <범죄도시>가 약 680만 관객(영화관입장권통합전산망 집계)을 동원하며 막판 스퍼트를 내던 지난 11월 20일, 강윤성 감독을 만나자마자 런던한국영
<범죄도시> 강윤성 감독 - 데뷔 감독 맞아? 17년 만에 첫 영화를 만들기까지
